Festival Alfonsino 2013. Concierto de la Orquesta Sinfónica de la UANL. Segunda Temporada de Conciertos 2013. Programa II.

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Segunda Temporada | Conciertos 2013

 

Programa II

 

Jueves 23 de mayo | Teatro Universitario | 19:30horas

 

 

Vals de La bella durmiente                                                                                    Tchaikovsky

Concierto para piano no. 2                                                                                  Rachmaninoff

 

Moderato

Adagio sostenuto

Allegro scherzando

 

INTERMEDIO

Suite Mlada                                                                      Rimski-Korsakov

Capricho italiano                                                          Tchaikovsky

 

Director artístico: Jesús Medina

Solista: Alessio Bax, piano

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Jesús Medina, director artístico | El público y las orquestas de varios países del mundo han sido testigos de la carrera de este talentoso director mexicano. A partir de enero de 2010, es el nuevo Director Artístico de la Orquesta Sinfónica de la UANL, en Monterrey, N.L.; además, es fundador y Director Artístico de Milenium Sinfonietta desde septiembre de 2008 hasta la fecha. De junio del 2002 a diciembre de 2010 fue Director Artístico de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. Ha sido Director de otras importantes instituciones musicales, como la Filarmónica de la UNAM,  la Filarmónica de Querétaro y de la misma OSUANL, en el período 1986-89.

Se ha presentado en Estados Unidos, Singapur, Francia, España, Italia, Turquía, Serbia, República Checa, Venezuela, Brasil, Colombia, Centroamérica y México. Futuros conciertos incluyen presentaciones en Italia, Argentina, Portugal, Austria, Serbia, España, Colombia e Israel.

Itzhak Perlman, Joaquín Achúcarro, Alexander Markov, Angel Romero, Horacio Gutiérrez, Elmar Oliveira, Jens Lindemann, Pierre Amoyal, Nathaniel Rosen, Mark Peskanov, Konstanty Kulka, Gyorgy Sandor, Pascal Devoyon, Fernando de la Mora, Trío Schubert de Viena, Nikita Storoyev, son algunos de los más importantes solistas que han actuado bajo su batuta.

Su gran versatilidad lo ha llevado a dirigir además de música sinfónica, música de cámara, ópera y ballet. Ha dirigido las óperas Lucia de Lamermoor de Donizzetti, La Italiana en Argel y La Cenicienta de Rossini en el Palacio de Bellas Artes y también ha sido director concertador de un gran número de ballets con la Compañía Nacional de Danza, como Carmen, Carmina Burana, Oneguin, Romeo y Julieta, Don Quijote, Raymonda, Coppelia, Giselle, La Bayadera y El Cascanueces, y zarzuelas como La Revoltosa.

Ha participado en los principales festivales de México, como el Festival Cervantino, el Festival Internacional de Tamaulipas, el Festival del Centro Histórico de la Cd. de México, el Festival de Sinaloa, el Foro de Música Nueva, el Festival de Orquestas de la Sala Nezahualcóyotl, el Festival Internacional de Arpas, etc.

Ha estrenado muchas obras de compositores mexicanos, como Angulo, Córdoba, Toussaint, Márquez, y varios estrenos nacionales como el Dies Irae de Penderecki y el Beatus Vir de Gorecki.

En 1991, la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música, le otorgó su reconocimiento por ser el mejor Director del Año, y en 2004, recibió el premio ‘GAVIOTA’, de la Asociación Latinoamericana de Cronistas.

Realizó sus estudios de dirección de orquesta en The Pierre Monteux School en los Estados Unidos, bajo la guía de Charles Bruck.

 

Web page: www.chuymedina.com | Facebook: Jesús Medina Director

 

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Alessio Bax, piano | El pianista Alessio Bax ha sido alabado por crear “una deslumbrante experiencia auditiva” con sus interpretaciones líricas y perspicaces y facilidad deslumbrante. La revista Gramophone ha dicho que: “Su forma de tocar estremece con una intensidad casi hipnótica”, dando lugar a “una experiencia extra corpórea” (Dallas Morning News).

Ganador del primer lugar de los concursos internacionales de piano de Leeds y Hamamatsu y beneficiario de la Avery Fisher Career Grant en 2009, Alessio se ha presentado como solista con más de noventa orquestas, que incluyen a las Filarmónicas Real y de Londres, las Sinfónicas de Houston y Dallas, la NHK de Japón, la Filarmónica de San Peterburgo dirigido por Yuri Temirkanov y la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham bajo la batuta de Sir Simon Rattle.

Durante la temporada 2012-2013 regresó con la Filarmónica de San Peterburgo y Temirkanov para la apertura del Festival de Invierno de aquella ciudad, la Sinfónica de Dallas dirigido por Jaap van Zweden en el Bravo! Vail Valley Music Festival, y colaboró con el director finlandés Pietari Inkinen en Dinamarca. Ofrece recitales constantemente en la Universidad Rockefeller de Nueva York, en la serie de Grandes Pianistas del Conservatorio de Boston, Dumbarton Oaks en Washington D.C., la Sociedad Chopin de Saint Paul, en la Sala Spivey de Atlanta, así como en Venezuela, Corea del Sur y Japón. Bax realizó su debut en la Sala Weill de Carnegie Hall junto a la cellista Sol Gabetta, con quien tocó la temporada pasada en el Kennedy Center de Washington. Igualmente realizará una gira por Sudamérica acompañando al violinista Joshua Bell, regresa a la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center y se presenta en gira a dúo con Lucille Chung.

Algunos momentos importantes de temporadas recientes incluyen invitaciones de la Sinfónica de Dallas, la Filarmónica Real en el Reino Unido, sus debuts en el Museo Metropolitano de Arte y la 92nd Street Y de Nueva York así como innumerables presentaciones en la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center donde ha participado por tres años consecutivos como miembro del elenco CMS Two.

El verano pasado Alessio Bax participó en nueve diferentes festivales en los Estados Unidos y España, incluyendo sus primeras actuaciones en el Festival de Música de Cámara de Bridgehampton, así como fue re-invitado al Bard Music Festival. En febrero de 2013 fue publicado su disco compacto más reciente en la etiqueta Signum Classics con los Conciertos para piano K. 491 y K. 595 de Mozart junto a la Southbank Sinfonia de Londres.

Otro de sus discos recientes, Alessio Bax Plays Brahms, editado por Signum en 2012 ha sido aclamado por la prensa internacional. Un año antes se publicó su CD Rajmáninov: Preludios y Canciones, que fue calificado por Classics Today como “un Rajmáninov apasionado de clase mundial” mientras que American Record Guide lo designó como “Elección de los críticos” en 2011. Su álbum de 2009, Bach Transcribed, se granjeó estupendos comentarios de las revistas Gramophone y Fanfare. En 2004 Warner Classics publicó su álbum Baroque Reflections con un éxito estupendo de público y críticos. Además, grabó la obra completa para órgano y piano de Marcel Dupré para la firma Naxos y con la pianista Lucille Chung grabó las obras completas para dos pianos y piano a cuatro manos de Ligeti para Dynamic Records.

El extenso repertorio de Bax lo ha llevado a colaborar con director de orquesta tan distinguidos como Marin Alsop, Sergiu Commisiona, Vernon Handley, Pietari Inkinen, Jonathan Nott, Vasily Petrenko, Sir Simon Rattle, Yuri Temirkanov y Jaap van Zweden. Sus actuaciones en festivales internacionales incluyen la Serie Internacional de Piano de Londres, Verbier (Suiza), Aldeburgh y Bath en Inglaterra, BeethovenFest, Ruhr y Schloss Elmau en Alemania. No menos importantes han sido sus recitales en las principales salas de concierto del mundo que incluyen Roma, Milán, Madrid, Ciudad de México, París, Londres, Tel Aviv, Tokio, Seúl, Hong Kong, Nueva York y Washington D.C. entre muchas otras. Como músico de cámara ha colaborado con Emanuel Ax, Joshua Bell, Andrés Díaz, Sol Gabetta, Steven Isserlis y Jörg Widmann, por nombrar unos cuantos.

En 2005 Alessio fue seleccionado para tocar la Fuga de la Sonata Hammerklavier de Beethoven para el Maestro Daniel Barenboim en el documental Bareboim on Beethoven. Éste fue producido por el Canal 13/PBS junto con Bel Air Media, BBC y NHK de Japón. Fue transmitido a nivel mundial y puesto a la venta en DVD por la etiqueta EMI en 2006. Sus conciertos han sido transmitidos en vivo por cadenas como la BBC, CBC de Canadá, RAI de Italia, RTVE en España, NHK de Japón, WDR, NDR y la Radiodifusión de Baviera en Alemania, entre otras.

Alessio Bax se graduó con los máximos honores a la edad de 14 años del Conservatorio de su ciudad natal –Bari, Italia-, donde estudió con Angela Montemurro. Prosiguió sus estudios en Francia con François-Joël Thiollier y asistió a la Academia Chigiana de Siena donde estudió con Joaquín Achúcarro. En 1994 se mudó a Dallas para proseguir su preparación con Achúcarro en la Meadows School of the Arts de la Universidad Metodista del Sur, donde actualmente él es parte del profesorado. Él y su esposa, la pianista Lucille Chung, viven en la ciudad de Nueva York.

 

Alessio Bax es Artista Steinway.

 

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Notas a las obras | Por: Juan Arturo Brennan, crítico musical

 

PIOTR ILYICH CHAIKOVSKI  (1840-1893) | Vals del ballet La bella durmiente, Op. 66

Es posible que el atractivo principal del ballet para aquellos que admiran esta forma artística sea la conjunción ideal de música y danza que se ha logrado en algunas obras notables a lo largo de la historia y que es, de hecho, el punto focal de la intención estética y expresiva del ballet. Para lograr esta conjunción se necesita buena música, un buen libreto y una buena coreografía. En el caso de los famosos ballets de Piotr Ilyich Chaikovski, es claro que el primer elemento cumple perfectamente su función. Esto es cierto a tal grado que para el melómano común la figura de Chaikovski suele identificarse primero que nada a través de su música para ballet. De hecho, los tres ballets escritos por Chaikovski siguen siendo su música más popular hasta la fecha: El lago de los cisnes (1876), La bella durmiente (1889) y El cascanueces (1892). Si la danza moderna tiende en la mayoría de los casos a la abstracción y al distanciamiento del elemento anecdótico y narrativo, los ballets clásicos son siempre historias con música, y algo más. He aquí la historia y el argumento de La bella durmiente.

Como en el caso de El lago de los cisnes, que fue un encargo del Teatro Bolshoi, La bella durmiente también fue el resultado de una comisión. En este caso, el encargo le fue hecho al compositor en 1888 por Iván Vsevoloshky, director del Teatro Imperial. El estreno del ballet se realizó en el Teatro Maryinski de San Petersburgo el 15 de enero de 1890, con Carlotta Brianza en el papel titular, y a diferencia de El lago de los cisnes, tuvo un éxito inmediato. Ello se debió, sin duda, a que el gran coreógrafo Marius Petipa realizó la coreografía original de la obra. El libreto del ballet fue escrito por Vsevoloshky y Petipa, y está basado en una de las historias más conocidas por chicos y grandes en el mundo occidental, uno de los cuentos de la colección Mamá la Oca del escritor francés Charles Perrault.

En el palacio del rey Florestán se lleva a cabo la ceremonia del bautizo de la princesa Aurora, con la presencia y bendición de sus hadas madrinas. El maestro de ceremonias del palacio ha olvidado invitar a la celosa hada Carabosse, que aparece en medio de la fiesta para lanzar una maldición: la princesa Aurora crecerá sana y bella, pero un lejano día se pinchará un dedo con el huso de una rueca, y morirá. Una de las hadas madrinas de la princesa Aurora interviene y anuncia que el maleficio se cumplirá sólo parcialmente: la princesa se pinchará un dedo y dormirá durante cien años con el resto de la corte, hasta que un bello príncipe la saque del sueño con un beso. Y en efecto, la princesa Aurora crece bella y radiante. El día en que cumple 16 años, un extraño personaje entra de incógnito a la fiesta en palacio y le regala una rueca. El personaje no es otro que el hada Carabosse, y tal y como lo ha profetizado, la princesa Aurora se pincha un dedo con el huso de la rueca. Cae dormida con el resto de la corte, y se cumple así el maleficio de Carabosse. Pasan cien años, hasta que aparece el príncipe Florimundo que, guiado por una de las hadas madrinas, llega hasta la princesa dormida. La besa, y el maleficio se rompe. La princesa y la corte despiertan de sus cien años de somnolienta soledad. Aurora y Florimundo se casan en medio del regocijo general.

Además del atractivo de la historia misma, este ballet de Chaikovski ofrece una buena muestra de la enorme capacidad del compositor para crear bellas y memorables melodías. A veces, demasiado memorables, ya que a lo largo del tiempo, músicos de todos los estilos y tendencias han plagiado la música de Chaikovski a la menor provocación. Asimismo, muchas de las partes de los ballets de Chaikovski se han hecho más famosas en versiones alternativas que en su forma original. Tal es el caso, bien conocido, del hermoso vals de La bella durmiente, que hoy es ampliamente recordado no tanto en la versión original sino en la versión cantada en la película de dibujos animados producida por Walt Disney en 1959 bajo la dirección de Clyde Geronimi. Mientras las hadas madrinas (llamadas aquí Flora, Fauna y Primavera) revolotean a su alrededor, la recién despertada princesa Aurora canta:

Eres tú el príncipe azul que yo soñé…

Entre las muchas cosas que se han escrito sobre La bella durmiente, vale la pena citar este breve párrafo de David Brown, en el que se hallan muy bien resumidas las mejores cualidades del ballet. Dice Brown:

La conjunción de una invención musical llena de carácter, la fluidez estructural y el seguro sentido de la atmósfera, todo ello enmarcado en un argumento admirablemente estructurado, hace de La bella durmiente la pieza teatral más consistentemente exitosa de Chaikovski, y una de las cimas del repertorio del ballet.

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SERGEI RAJMANINOV  (1873-1943)

Concierto para piano y orquesta No. 2 en do menor, Op. 18

En el año de 1897, en la ciudad rusa de San Petersburgo, se estrenó la Primera sinfonía de Sergei Rajmaninov, en un concierto dirigido por Alexander Glazunov y que resultó un fracaso rotundo. Los músicos, el público y la crítica hicieron pedazos a Rajmaninov y a su sinfonía, y el atribulado compositor se tomó esto tan en serio que sufrió una crisis nerviosa que ocasionó, entre otras cosas, una total pérdida de confianza en su propia capacidad de creación musical. Para curarse de este triste estado de cosas, Rajmaninov contrató los servicios de un doctor de nombre Nikolai Dahl, quien en ese tiempo realizaba experimentos de psicoterapia a base de hipnotismo. La fórmula utilizada por Dahl para curar a Rajmaninov fue bastante simple. Primero, lo convenció de que la única forma de salir de la crisis era ponerse a componer otra obra de inmediato. Después, y para no dejar que el compositor cayera en más dudas existenciales, le dijo específicamente que debía componer un concierto para piano y orquesta, proyecto que ya había aparecido en la mente del compositor. Así, el propio Rajmaninov contó en sus memorias (dictadas a Oskar von Riesmann) cómo el doctor Dahl, después de sumir al compositor en un sueño hipnótico, le repetía incesantemente estas palabras:

 

Usted comenzará a componer el concierto para piano. Usted trabajará fácilmente en esta obra. La composición será de excelente calidad.

Y aunque los incrédulos levanten una escéptica ceja, lo cierto es que la terapia de Dahl funcionó de maravilla. Poco después de sus visitas al hipnotista, Rajmaninov realizó una visita a Italia en compañía del gran cantante ruso Fyodor Chaliapin (quien había cantado el rol titular en el estreno de su ópera Aleko), y durante ese viaje compuso el himno Panteley el curandero, el potente dueto de amor de su ópera Francesca da Rimini, y los primeros bosquejos de su Segundo concierto para piano y orquesta. De regreso a Rusia (en el mes de agosto de ese año), Rajmaninov retomó de inmediato el trabajo en el concierto, y pronto tuvo dos movimientos terminados; en esta forma fragmentaria el Segundo concierto para piano fue estrenado el 15 de diciembre de 1900 con notable éxito. Poco después, Rajmaninov añadió otro movimiento al concierto (el que hoy ocupa el primer lugar) y así quedo plenamente integrada esta obra que hasta nuestros días goza de una inmensa popularidad.

El 9 de noviembre de 1901 se estrenó la versión completa del Segundo concierto para piano de Rajmaninov en uno de los programas de la Filarmónica de Moscú, con el propio Rajmaninov al piano y Alexander Siloti como director de orquesta. La popularidad de este concierto se debe fundamentalmente a su gran riqueza melódica y a su diseño formal, que enfatiza líneas musicales largas, nobles y de gran intensidad. Así pues, la terapia del doctor Dahl no sólo sirvió para curar a Rajmaninov de su crisis de confianza, sino que ayudó a producir una obra musical con la que el compositor logró de inmediato su total rehabilitación ante el público, ante la crítica y ante las autoridades, que le ofrecieron el puesto de director de ópera en el Gran Teatro de Moscú. Unos años después del estreno de su Segundo concierto para piano, Rajmaninov se estableció durante una temporada en la ciudad alemana de Dresde, a la que tomó como una especie de base de operaciones musicales, dedicándose con añico (sobre todo en el año de 1908) a realizar sucesivos estrenos locales de esta obra en diversas ciudades de Europa. Sobra decir que en casi todas ellas, el éxito del concierto fue notable, sólido, y duradero. El musicólogo Geoffrey Norris hace estos comentarios sobre este popular concierto:

 

Después de los años improductivos que siguieron a la pobre recepción de la sinfonía en 1897, el estilo de Rajmaninov comenzó a desarrollarse significativamente. En el Segundo concierto para piano, el juvenil ímpetu de la sinfonía ha dado paso a la predilección de Rajmaninov por las armonías suntuosas y las melodías amplias y líricas, en ocasiones intensamente apasionadas. Y también hay algunos avances técnicos. En lugar de la orquestación un tanto burda de la sinfonía, los colores del concierto están más matizados y son más sutilmente variados. Las texturas están cuidadosamente contrastadas, y la escritura de Rajmaninov es más concisa en general.

Este concierto, además de ser la obra más famosa de Rajmaninov, es una pieza fundamental del repertorio, pero este hecho no debe hacernos olvidar que el compositor escribió otras obras interesantes para piano y orquesta: sus conciertos números 1, 3 y 4, que datan respectivamente de 1890-91, 1909 y 1927, y su famosa Rapsodia sobre un tema de Paganini, de 1934. El hecho de que Rajmaninov no haya escrito conciertos para ningún otro instrumento se explica fácilmente al recordar que él mismo fue uno de los más brillantes pianistas de su tiempo, quizá el último gran virtuoso romántico. Como dato anecdótico interesante puede mencionarse que la primera grabación del Segundo concierto para piano de Rajmaninov, realizada en 1929, llevó como solista al propio compositor, con la Orquesta de Filadelfia dirigida por Leopold Stokowski.

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NIKOLAI RIMSKI-KORSAKOV (1844-1908) | Suite de la ópera Mlada

Si usted cree, amable lector, que los argumentos de ópera son cosa complicada y a veces ininteligible, espere a leer lo que sigue, que viene directamente de la vida real.

En 1869, muere el compositor nacionalista ruso Alexander Dargomizhsky (1813-1869), dejando incompleta su ópera El convidado de piedra, basada en la versión de Alexander Pushkin al mito de Don Juan. Poco después, César Cui (1835-1918), miembro del notorio Grupo de Los Cinco, emprende la tarea de completar algunas secciones de la ópera inconclusa de Dargomizhsky, mientras que Nikolai Rimski-Korsakov (otro miembro del mencionado grupo) se dedica a orquestar y retocar la partitura de su colega muerto. Como premio a su labor, Cui y Rimski-Korsakov atestiguan el estreno de El convidado de piedra, que en buen ruso se dice Kamyeny Gost. A partir de su estreno, la ópera corre con buena suerte y se convierte incluso en un modelo para generaciones posteriores de compositores rusos. Al mismo tiempo, el buen éxito de El convidado de piedra provoca que el director del teatro Imperial le haga a Rimski-Korsakov un encargo muy extraño: le pide que escriba parte de una ópera-ballet que ha de titularse Mlada y que contará con colaboraciones de César Cui, Modesto Mussorgski (1839-1881), Alexander Borodin (1833-1887) y León Minkus (1826-1917). Siempre cumplido y trabajador, Rimski compone en tiempo y forma su parte del proyecto (sobre un libreto original de Víctor Krilov), solo para terminar descubriendo lo evidente: no hay poder humano, ni divino, que haga funcionar una composición musical escrita por cinco personajes básicamente distintos en sus formas de pensar el sonido y el drama. Así, el proyecto original de Mlada se va por la borda, no se concreta nunca, y cada uno de los compositores convocados se queda con su parte para hacer de ella lo que le dé la gana.

Pasan los años. Llega 1889, cuando se presenta en San Petersburgo el Teatro Richard Wagner, bajo la dirección del empresario Angelo Neumann, quien ya ha llevado el evangelio wagneriano a otras importantes ciudades europeas. Neumann y su compañía ponen en escena la enorme Tetralogía de Wagner (1813-1883), El anillo del nibelungo. Mientras esto ocurre, Rimski-Korsakov, que es un tipo responsable y estudioso, asiste a los ensayos de la compañía de Neumann, acompañado de su colega Alexander Glazunov (1865-1936). Partituras en mano, Rimski-Korsakov descubre las maravillas de la música de Wagner y decide en ese momento reorientar su carrera para dedicarse básicamente a la ópera, género en el que ya ha creado algunas obras.

Para arrancar en esta nueva dirección, Rimski-Korsakov recuerda los materiales originales de la malograda Mlada y rescata su parte del proyecto, decidiendo entonces hacer con ella una ópera completa, sólo suya, sobre el tema originalmente propuesto. De entrada, el compositor redacta su propio libreto, basándose en el viejo original de Krilov. Al paso del tiempo, sus muchas obligaciones le impiden dedicarse por entero a la ópera, pero finalmente, Rimski-Korsakov terina la partitura de Mlada, ópera en cuatro actos, en el año 1890. Al año siguiente, la partitura de Mlada se edita en Leipzig, la ciudad natal de Wagner, por si a usted le interesan las coincidencias. Un año después, el 1 de noviembre de 1892, Mlada se estrena en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. De nada le sirve al compositor que el estreno ocurra en el día de Todos los Santos, porque a Mlada le va como todos los demonios; la obra tiene escaso público y menor éxito y pone a dudar al compositor sobre su futuro en el ámbito de la ópera. El mismo Rimski-Korsakov hace este comentario sobre Mlada:

Esta es una obra fría, fría como el hielo.

Y ya se sabe que no hay nada peor que una ópera que no calienta. El caso es que debido al fracaso inicial de Mlada, el compositor profetiza que ésta ha de ser su última obra importante. Sin embargo, el talento y la capacidad de trabajo de Rimski-Korsakov pueden más que su pesimismo autocrítico, y al menos en el campo de la ópera, la tinta de su pluma no se seca y después de Mlada compone óperas como El cuento del zar Saltán, Mozart y Salieri, La ciudad invisible de Kitezh y El gallo de oro.

Pasan los años, y así como antes Rimski-Korsakov había rescatado los materiales de la fallida Mlada colectiva original, decide después rescatar algunos fragmentos sinfónicos de su ópera y llevarlos a la sala de concierto. Es así como en el año 1903 produce una suite de la ópera Mlada, que se edita al año siguiente, de nuevo en Leipzig. ¿Verdad que esta complicada historia parece un argumento de ópera?  A propósito de lo cual… ¿de qué se trata Mlada? Se trata de que, en la ciudad de Retra, una tal Voyslaya ha matado a la joven doncella Mlada para quedarse con su novio Yaromir. Espíritus, brujas, sombras y fantasmas se conjuran para exhibir la culpa de Voyslaya, quien confiesa el crimen y es muerta por Yaromir. Entonces Morena, diosa del bajo mundo, destruye la ciudad de Retra, y Yaromir se una con Mlada en el más allá. Es decir, una más de las numerosas historias, mitos, tradiciones y leyendas, (operísticos o no) cuyo tema central es aquello de que Don Francisco de Quevedo llamó “amor constante más allá de la muerte”.

 

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PIOTR ILYICH CHAIKOVSKI  (1840-1893) | Capricho italiano, Op. 43

Durante la última parte del año de 1879, Chaikovski se dedicó fundamentalmente a la orquestación de su ópera La doncella de Orléans y a la terminación de su Primera suite. En octubre de ese año, en su retiro en Kamenka, comenzó la composición de su Segundo concierto para piano, una obra que por razones diversas nunca ha alcanzado la enorme popularidad de su ilustre predecesor. El compositor trabajó en este concierto en París durante el mes de diciembre, y hacia el fin del año marchó hacia el clima más benévolo de Roma, donde compuso el Capricho italiano, inspirado por las imágenes y los sonidos que lo rodearon durante su estancia en la capital italiana.

El capricho es sin duda una de las formas musicales más libres y flexibles, al grado de que en ocasiones es indistinguible de otras formas; en este caso, el Capricho italiano de Chaikovski bien puede ser escuchado como una rapsodia, en el entendido de que es una pieza construida sobre diversos temas y motivos de corte nacional. El propio compositor declara el carácter de la obra en una carta a su benefactora, Nadezhda von Meck:

 

Gracias a los encantadores temas, algunos de los cuales he tomado de colecciones folklóricas, mientras que otros los he escuchado en las calles, esta obra va a ser muy efectiva.

 

La audición cuidadosa de la pieza confirma esta cualidad rapsódica del capricho.

El Capricho italiano se inicia con una fanfarria amplia y solemne a cargo de las trompetas, que es retomada de inmediato por toda la sección de metales. Después, las cuerdas entonan una larga y solemne melodía, que es acentuada por los metales; más tarde las maderas se unen a este discurso. Esta sección llega a un clímax, en el que se reexpone la fanfarria del inicio, en esta ocasión reforzada con los címbalos. La melodía anteriormente expuesta por las cuerdas y acentuada por los metales es declamada ahora por los alientos y acentuada por las cuerdas. Chaikovski da paso entonces a una sección con aire de danza popular en compás de ¾, conducida por pares de alientos; el tema danzable es retomado después por las trompetas. Viene enseguida un episodio de indudable origen popular, encabezado por cuerdas, cornos y trompetas; una melodía de corte lírico es expuesta por las cuerdas, con acompañamiento de pandero. Esta melodía es repetida después con una orquestación distinta. Aquí, el compositor retoma la solemne melodía de cuerdas del inicio de la obra, para acentuarla con los metales. La música se acelera para convertirse en otro momento de danza, un saltarello en el que Chaikovski incluye una buena imitación de una gaita pastoral a cargo de los alientos. Se retoma la danza popular expuesta antes, se reexpone el saltarello, y el Capricho italiano concluye en un ambiente brillante y marcial.

Los musicólogos, al estudiar la partitura del Capricho italiano, han localizado con mayor o menor fortuna el origen de algunos de los temas empleados aquí por el compositor. De la majestuosa fanfarria con que inicia la obra se ha dicho que es una llamada de corneta que el compositor escuchó repetidas veces durante su estancia en Roma. Chaikovski se hospedó en el Hotel Constanzi, y los conocedores de la geografía romana afirman que en aquel entonces se encontraban en el mismo vecindario unas barracas militares desde donde le llegaron las marciales notas de ese bello tema. Algunos estudiosos de la materia afirman que la intención principal de Chaikovski en su Capricho italiano fue la de emular las visiones mediterráneas de su colega Mikhail Glinka (1804-1857) en sus Oberturas españolas; estos mismos especialistas coinciden en decir que, en general, las aproximaciones de Glinka al espíritu mediterráneo son mejores y más auténticas que este intento de Chaikovski.

El Capricho italiano fue escrito entre el 16 de enero y el 27 de mayo de 1880, y se estrenó en Moscú el 18 de diciembre de ese mismo año. La partitura de la obra existe también en un arreglo de Chaikovski para piano a cuatro manos.

 

 

 

 DATOS:

Festival Alfonsino 2013

Concierto de la Orquesta Sinfónica de la UANL

Primera Temporada de Conciertos 2013

Programa II.

Jesús Medina, director artístico.

Solista: Alessio Bax, piano.

Jueves 23 de marzo del 2013

Hora: 19:30 horas

Lugar: Teatro Universitario 

Costo: Planta baja: $ 160/Planta alta: $ 140

Descuentos para INAPAM y estudiantes: $100 (sólo planta alta)

Boletos: http://boleticket.com/ y en las taquillas del Teatro Universitario (una hora antes de la función)

Dirección: Praga y Trieste s/n. Colonia Residencial Las Torres. Campus Mederos UANL.

Monterrey, Nuevo León.

Informes: 11000 330

 

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Boletos | Oficina de la OSUANL [lunes a viernes: 9:00am-14:00pm]

                 Boleticket y Taquilla del Teatro Universitario [una hora y media antes del concierto].

                 Localidades: $160 [planta baja] | $140 [planta alta]

                 Descuentos: INAPAM, estudiantes y maestros: $100 [planta alta]

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Comentarios previos al concierto | Jueves, 19:00 horas / Vestíbulo del Teatro Universitario       

                                                                       Por: Juan Arturo Brennan y Ricardo Marcos, críticos musicales

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‘Nuestra Orquesta’ en radio | Miércoles, 16:30 a 18:00 horas | Opus 102 FM

                                                           El programa de la Orquesta Sinfónica UANL

                                                           Noticias, entrevistas, próximos conciertos, boletos gratuitos

                                                           Conduce: Jorge Orozco | Producción: Josefina Benavides

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