Concierto de la Orquesta Sinfónica de la UANL. Tercera Temporada de Conciertos 2012. Programa VI

Nov 28, 2012 Comentarios desactivados en Concierto de la Orquesta Sinfónica de la UANL. Tercera Temporada de Conciertos 2012. Programa VI by

La Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León, bajo la batuta del director  artístico Jesús Medina, y con la solista invitada Valeria Vetruccio, en el piano, ofrece el quinto recital de la Tercera Serie de Conciertos 2012. La orquesta de la Máxima Casa de Estudios interpretará las obras Obertura “Guillermo Tell”, de Rossini; Concierto para piano no. 21, de Mozart; y Sinfonía no. 6, de Tchaikovsky. 

 

Orquesta Sinfónica UANL

Tercera Temporada

                     Conciertos 2012

PROGRAMA VI

Obertura ‘Guillermo Tell’                                                                                           Rossini

 

Concierto para piano no. 21                                                                                       Mozart

 

Allegro maestoso

Andante

Allegro vivace assai

 

INTERMEDIO

 

Sinfonía no. 6                                                                                                      Tchaikovsky

 

Adagio-Allegro non troppo

Allegro con grazia

Allegro molto vivace

Finale: Adagio lamentoso

 

Director artístico: Jesús Medina

Solista: Valeria Vetruccio, piano

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Jesús Medina, director artístico | El público y las orquestas de varios países del mundo han sido testigos de la carrera de este talentoso director mexicano. A partir de enero de 2010, es el nuevo Director Artístico de la Orquesta Sinfónica de la UANL, en Monterrey, N.L.; además, es fundador y Director Artístico de Milenium Sinfonietta desde septiembre de 2008 hasta la fecha. De junio del 2002 a diciembre de 2010 fue Director Artístico de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. Ha sido Director de otras importantes instituciones musicales, como la Filarmónica de la UNAM,  la Filarmónica de Querétaro y de la misma OSUANL, en el período 1986-89.

Se ha presentado en Estados Unidos, Singapur, Francia, España, Italia, Turquía, Serbia, República Checa, Venezuela, Brasil, Colombia, Centroamérica y México. Futuros conciertos incluyen presentaciones en Italia, Argentina, Portugal, Austria, Serbia, España, Colombia e Israel.

Itzhak Perlman, Joaquín Achúcarro, Alexander Markov, Angel Romero, Horacio Gutiérrez, Elmar Oliveira, Jens Lindemann, Pierre Amoyal, Nathaniel Rosen, Mark Peskanov, Konstanty Kulka, Gyorgy Sandor, Pascal Devoyon, Fernando de la Mora, Trío Schubert de Viena, Nikita Storoyev, son algunos de los más importantes solistas que han actuado bajo su batuta.

Su gran versatilidad lo ha llevado a dirigir además de música sinfónica, música de cámara, ópera y ballet. Ha dirigido las óperas Lucia de Lamermoor de Donizzetti, La Italiana en Argel y La Cenicienta de Rossini en el Palacio de Bellas Artes y también ha sido director concertador de un gran número de ballets con la Compañía Nacional de Danza, como Carmen, Carmina Burana, Oneguin, Romeo y Julieta, Don Quijote, Raymonda, Coppelia, Giselle, La Bayadera y El Cascanueces, y zarzuelas como La Revoltosa.

Ha participado en los principales festivales de México, como el Festival Cervantino, el Festival Internacional de Tamaulipas, el Festival del Centro Histórico de la Cd. de México, el Festival de Sinaloa, el Foro de Música Nueva, el Festival de Orquestas de la Sala Nezahualcóyotl, el Festival Internacional de Arpas, etc.

Ha estrenado muchas obras de compositores mexicanos, como Angulo, Córdoba, Toussaint, Márquez, y varios estrenos nacionales como el Dies Irae de Penderecki y el Beatus Vir de Gorecki.

En 1991, la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música, le otorgó su reconocimiento por ser el mejor Director del Año, y en 2004, recibió el premio ‘GAVIOTA’, de la Asociación Latinoamericana de Cronistas.

Realizó sus estudios de dirección de orquesta en The Pierre Monteux School en los Estados Unidos, bajo la guía de Charles Bruck.                                          web page: www.chuymedina.com

Algunas críticas de la prensa:

 “ …Jesús Medina es uno de esos pocos músicos que no sólo posee un impecable buen
gusto por la música, sino que también puede hacer que una orquesta comunique toda la expresión que en ella se encuentra. … su habilidad para mantener la orquesta ajustada en los raros e intricados patrones rítmicos, fue impresionante… En las manos de Medina, cada frase tiene su propio carácter. Es un músico que posee poderes comunicativos tan fuertes y únicos, que es muy fácil predecirle una brillante carrera”.                                               BUSINESS TIMES, SINGAPUR.

“Un “show” de batuta … Ágil, expresivo, dinámico, espectacular en una palabra, Jesús Medina, como director huésped se llevó la noche”.             EL INFORMADOR, GUADALAJARA, JALISCO

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Valeria Vetruccio, piano | Valeria Vetruccio es una pianista italiana graduada con los máximos honores del  Conservatorio Estatal de Lecce, institución donde estuvo bajo la tutela del profesor Bruno V. Massaro, así como de los maestros Aquiles Delle Vigne, Franco Scala y Riccardo Risaliti. 

A los 15 años de edad inició su carrera como concertista realizando una gira por las ciudades italianas más importantes y debutando con un recital como solista en la Mozarteum’s Wiener-Saal de Salzburgo. Desde entonces se ha presentado en Bélgica, Austria, Francia, España, Bulgaria, Polonia, Australia y México. En 1999 debuta en los Estados Unidos ofreciendo un concierto en el Lang Recital Hall de Nueva York y después se presentó en el Carnegie Hall.

Ha actuado como solista en numerosas orquestas sinfónicas y de cámara entre las que destacan, en Europa, la Orquesta del Conservatorio ‘T. Schipa’, Eurorchestra, Orquesta del Teatro ‘Carlo Felice’, Orquesta de Cámara ‘C.P.E. Bach’, Magna Grecia Orchestra, Filarmónica de Breslavia (Polonia) y Solisti di Napoli. En los Estados Unidos se ha presentado con la Meadows Symphony, Meadows Chamber Orchestra, San Angelo Symphony, Irving Symphony y Las Colinas Symphony. En América Latina con la Orquesta Filarmónica de Jalisco y con la Orquestra Sinfónica del Estado de México (OSEM). En este año se presentó junto a la New England Symphony en el Carnagie Hall de Nueva York. Tras haber obtenido una beca completa, se graduó de la Southern Methodist University en Dallas bajo la tutela del maestro Joaquín Achúcarro. También ha tomado clases magistrales con Gyorgy Sandor y Alfred Mouledous, quien fue alumno de A. Cortot y W. Gieseking. Valeria Vetruccio se presenta frecuentemente como solista y con ensambles de cámara.

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Notas a las obras

Por: Juan Arturo Brennan, crítico musical

 

GIOACHINO ROSSINI  (1792-1868) | Obertura a la ópera Guillermo Tell

El bueno de Gioachino Rossini, mejor conocido por sus colegas como Il signor crescendo por razones que no hace falta explicar, era un hombre jovial, extrovertido, amante de la buena vida y tan hábil con las palabras como con las corcheas. Es muy posible que el aprecio del público por la música de Rossini se deba a que en sus composiciones aplicó fielmente los principios en los que creía con firmeza: “El deleite debe ser la base y la meta de este arte. Melodías simples y ritmos claros.”

Estos principios fueron aplicados por Rossini en más de 30 óperas, que forman la parte fundamental de su catálogo. Es ciertamente interesante el hecho de que si bien Rossini vivió hasta los 76 años de edad, su carrera como compositor de óperas terminó cuando tenía apenas 38 años, con la creación de Guillermo Tell en el año de 1829. Ello quiere decir que Rossini tuvo la facilidad y la inspiración para componer más de 30 óperas en el corto lapso de 20 años, para dedicarse los restantes 38 años de su vida a disfrutar de su fama, su prestigio y los placeres mundanos.

La ópera Guillermo Tell fue compuesta como parte de un plan a largo plazo a través del cual Rossini debía componer cinco óperas para la escena francesa. Sin embargo, la abdicación del rey Carlos X y la revolución de 1830 dieron al traste con los planes de Rossini a este respecto. La prolongada batalla legal que Rossini entabló para obtener el dinero que se le había ofrecido afectó sus nervios y su salud, y ya no habría de componer más óperas a partir de entonces. Este hecho se presta un poco a la especulación y la hipótesis, porque dada la facilidad con la que Rossini componía una ópera tras otra, es de suponerse que si sus planes no se hubieran visto abruptamente interrumpidos, pudo haber conformado un impresionante y enorme catálogo operístico, quizá comparable en dimensión al de Georg Friedrich Händel (1685-1759). Porque como decía el mismo Rossini: “Denme una lista de lavandería y yo le pondré música.”

Lo curioso del caso con Il signor crescendo, compositor de óperas, es que no son precisamente sus óperas lo más popular de su catálogo, sino las oberturas de esas óperas. La indispensable visita al catálogo discográfico apoya claramente esta tesis. La única de las óperas de Rossini que ha sido grabada más de un par de veces es El barbero de Sevilla, que data de 1816, y de la que existen más de una docena de grabaciones. De las oberturas de sus óperas, en cambio, existen más de sesenta colecciones discográficas distintas; entre ellas, la obertura de la ópera Guillermo Tell ocupa siempre un lugar destacado. El personaje titular de esta ópera es un héroe de leyenda de la tradición suiza, similar al Robin Hood inglés. Las hazañas de Guillermo Tell son un símbolo de la resistencia suiza contra la dominación austríaca. He aquí la historia.

En los inicios del siglo XIV Suiza se halla bajo el dominio de Austria. Un día, al pasar el patriota suizo Guillermo Tell por la villa de Altdorf en compañía de su hijo, se entera de que Gessler, el gobernador austríaco, ha hecho colocar en la plaza del pueblo un sombrero austríaco en la punta de una pica, como símbolo de la dominación. Como muestra de sumisión, todo ciudadano suizo debe hacer una reverencia ante el sombrero. Guillermo Tell se rehusa a hacerlo y como castigo es obligado por Gessler a probar su legendaria puntería con la ballesta, tirando a una manzana colocada sobre la cabeza de su hijo. Gracias a su habilidad, Tell sale airoso de la prueba pero es mantenido prisionero por Gessler, a quien ha amenazado antes de la prueba: “Mi segunda flecha será para vos.” Tell debe ser llevado al castillo de Gessler en la orilla norte del lago Lucerna. Durante el viaje, se desencadena una feroz tormenta y Tell, experto timonel, es librado de sus cadenas para guiar la nave. Lo hace y al llegar a tierra escapa de la nave y desaparece. Tiempo después, mata a Gessler en una emboscada y su acción incita al pueblo suizo a la rebelión.

Esta es en síntesis la leyenda en la que está basada la ópera de Rossini. Su obertura, que por desgracia se ha convertido en un lugar común del humor musical (voluntario o involuntario, según quién sea el humorista) y ha sido identificada con la figura de otro héroe muy distinto, el Llanero Solitario de la televisión de antaño, narra escuetamente algunos de los episodios importantes de la acción. De hecho, la obertura de Guillermo Tell está estructurada como una pequeña sinfonía: una introducción lenta, un allegro que simboliza la tormenta, un andante y un presto final que describe el triunfo del héroe. No deja de ser irónico que siendo esta música tan popular, el público  no conozca la ópera sino solo la obertura, y de ella, solamente el final, mientras que el resto de la obertura y de la ópera es difícilmente identificable por la mayoría de los melómanos. Además de su final ciertamente brillante y llamativo, la obertura de Guillermo Tell tiene como una de sus características principales la belleza de los solos que Rossini encomendó a los instrumentos de aliento-madera a lo largo de la pieza. La furia tormentosa que Rossini evoca en esta obertura es claramente identificable con su ideología musical. Decía Rossini:

 

La música es un arte sublime precisamente porque, incapaz de imitar la realidad, se levanta por sobre la naturaleza ordinaria, hacia un mundo ideal, y con armonías celestiales conmueve las pasiones terrenales.

 

¿Y qué mejor pasión terrenal que el afán libertario simbolizado por el héroe suizo? La ópera Guillermo Tell, compuesta sobre un libreto de Etienne de Jouy, Hippolyte Bis y Armand Marast, inspirado en el drama de Friedrich Schiller, se estrenó en la Ópera de París el 3 de agosto de 1829. Casi un siglo y medio después (142 años, para ser exactos), el genial compositor ruso Dmitri Shostakovich (1906-1975) incluyó un par de sarcásticas citas de un conocido fragmento de la obertura de Guillermo Tell en su Sinfonía No. 15, que data de 1971. Dato relevante: el título original de la ópera es Guillaume Tell, y no Guglielmo Tell como podría suponerse, porque el libreto original de los señores Jouy, Bis y Marast fue escrito en francés.

 

WOLFGANG AMADEUS MOZART  (1756-1791)

Concierto para piano y orquesta No. 21 en do mayor, K. 467

Allá por el fin de la década de los 1960s hizo su furtiva aparición en el circuito mexicano de cine clubes una curiosa película sueca que adquirió una efímera notoriedad por razones que bien poco tenían que ver con el cine. La película en cuestión fue filmada en el año de 1967 bajo la dirección de Bo Widerberg y llevó por título Elvira Madigan. El argumento de la cinta narra la historia de una artista de circo (equilibrista, para más señas) que se enamora y se fuga con un noble teniente del ejército. Al final de la desgarradora huida y de la persecución por parte de una sociedad que censura sus amoríos, la improbable historia de amor termina en tragedia. La película fue protagonizada por Pia Degermark y Thommy Berggren, quienes hacían una pareja visualmente muy atractiva, y tuvo un rápido éxito, que fue de corta duración; quienes saben de cuestiones cinematográficas afirman que ese éxito momentáneo se debió no sólo a la identificación del público con el tema de la huida de los amantes, al atractivo de la pareja protagónica y a la fotografía preciosista, sino fundamentalmente al hecho de que el tema musical empleado por Bo Widerberg para acompañar el trágico amor de la equilibrista y el militar fue el movimiento central, Andante, del Concierto para piano No. 21 de Mozart.  A raíz de la exhibición de la cinta, ese hermoso fragmento del catálogo mozartiano adquirió una enorme popularidad, aunque la película y su director fueron prontamente olvidados. Justo es decir, por cierto, que este Andante merece toda la fama, el éxito y la popularidad que pueda adjudicársele, independientemente de la película sueca, por el simple hecho de que se trata de una de las páginas más bellas de toda la obra musical de Mozart.

Este concierto fue terminado por Mozart entre febrero y marzo de 1785, año muy activo en la vida del compositor. Al inicio de enero, Mozart ascendió al segundo grado de la jerarquía masónica en la logia a la que se había afiliado apenas en diciembre de 1784. En los dos meses siguientes Mozart completó el Concierto para piano No. 20, quizá el más famoso de toda la serie, y el Concierto No. 21. En ese mismo año de 1785 el compositor comenzó a escribir algunas de las piezas musicales asociadas con la masonería, y en septiembre se publicaron los seis famosos cuartetos de cuerda que Mozart dedicó a Joseph Haydn (1732-1809). Poco antes, la Sociedad de Músicos de Viena había rechazado, por segunda vez, la solicitud de ingreso de Mozart, y lo cierto es que el compositor nunca logró ser aceptado en esta institución. Hacia octubre, Mozart inició la composición de una de sus mejores óperas, Las bodas de Fígaro, que fue estrenada al año siguiente.

El Concierto para piano No. 21 está entre los conciertos de Mozart que algunos musicólogos han calificado como conciertos militares, debido al carácter marcial de algunas de sus partes, especialmente los movimientos de apertura. En el caso del concierto que nos ocupa, es el inicio del primer movimiento el que pudiera dar a la obra ese carácter militar que mencionan los estudiosos. Por otra parte, la obra tiene como característica fundamental el hecho de que presenta una abundancia notable de temas, que hablan de un período creativo particularmente inspirado en la vida de Mozart. El segundo movimiento del concierto, lanzado a la fama en la mencionada película Elvira Madigan ha sido comparado por algunos con un aria perfectamente construida, y la verdad es que al escucharlo, uno no puede menos que imaginar una voz cantando las melodías que Mozart encomendó al piano solista. En 1985, en una entrevista que tuve con el gran director de orquesta Eduardo Mata (1942-1995), hablamos de este movimiento del Concierto No. 21 de Mozart, y Mata me comentó lo siguiente:

 

Este movimiento nos ofrece una melodía muy larga, particularmente feliz, con ternura y naturalidad en su contorno. Pocos compases después, la momentánea transformación al modo menor, con el pedal de la dominante, nos lleva a zonas de nostalgia y duda, que se resuelven posteriormente en la resignación de la vuelta a la tonalidad de fa mayor. En suma, lo que tiene el movimiento es una gama amplísima de estados de ánimo, y el supremo buen gusto melódico y armónico de Mozart.

 

Después de este hermoso Andante, el Concierto No. 21 de Mozart concluye con un Allegro vivace assai construido en forma similar a un rondó, y en el que Mozart parece abandonar por entero la música marcial del primer movimiento para entregarse a uno de esos estados de ánimo extrovertidos y juguetones tan típicos de sus movimientos finales.

Por cierto, a raíz del éxito fílmico del segundo movimiento del concierto, algunos discos que contienen esta obra llevan impresa la frase Concierto Elvira Madigan. Evidentemente, este título nada tiene que ver con Mozart, y es prudente recordar que de sus 27 conciertos para piano sólo uno, el número 26, lleva un título oficial: es el concierto Coronación. Llamarle Elvira Madigan al Concierto No 21 sólo porque su segundo movimiento se utilizó en la película de ese título es como decir que la Quinta sinfonía de Mahler es la Sinfonía Muerte en Venecia, o que el vals El Danubio azul de Strauss es en realidad el Vals 2001. Es mejor dejar a las obras sus títulos originales. Seguramente, es lo que Mozart y otros compositores hubieran querido.

Posdata: En 1996, años después de ver Elvira Madigan por primera vez, la volví a ver, por televisión, y descubrí que además del evocativo andante de Mozart la cinta contiene música de Antonio Vivaldi (1678-1741) en su pista sonora, cosa de la que pocos cinéfilos/melómanos se acuerdan.

 

PIOTR ILYICH CHAIKOVSKI  (1840-1893)

Sinfonía No. 6 en si menor, Op. 74, Patética

 Mucho se ha dicho y escrito sobre la Sinfonía Patética de Chaikovski, y hay quienes dicen que mucho se ha llorado sobre ella. Así, un intento de aproximación a esta obra tan comentada y a veces tan incomprendida, puede iniciarse con una visita al diccionario más cercano:

Patético: conmovedor, que infunde dolor, tristeza o melancolía.”

Como en el caso de ciertas visitas al médico, siempre es bueno tener una segunda opinión, de modo que otra consulta, a un diccionario un poco más evolucionado, nos informa:

Patético: sensitivo, capaz de sufrimiento, que produce un efecto sobre las emociones.”

No deja de ser curioso el hecho de que hay varios cientos de obras que bien podrían caer bajo cualquiera de estas dos definiciones, pero lo cierto es que tal sobrenombre ha quedado identificado para siempre conla Sextasinfonía de Chaikovski, obra fundamental del sinfonismo romántico, no sólo por su título sino también por su origen y contenido musical.

Del nacimiento de su Sinfonía Patética, el mismo Chaikovski nos dejó un documento invaluable, una carta dirigida a su sobrino Vladimir Davidov, fechada el 23 de febrero de 1893, en la que el compositor se refería a un viaje a París, realizado en diciembre del año anterior. Escribía Chaikovski:

 

Al iniciar mi viaje me vino la idea de una nueva sinfonía. En esta ocasión, con un programa, pero con un programa que será un enigma para todos; que lo adivine el que pueda. La obra se titulará: Sinfonía programática (No. 6). El programa está lleno de sentimientos subjetivos. Durante mi viaje, mientras la componía en la mente, lloré con  frecuencia. Ahora, de vuelta en casa, me he puesto a bosquejar la obra y va tan bien que en cuatro días he terminado el primer movimiento, y el resto de la sinfonía está muy claro en mi cabeza. Habrá muchas cosas nuevas en cuanto a la forma en esta obra. Por ejemplo, el final no será un gran allegro sino un adagio de dimensiones considerables. No te imaginas la alegría que siento ante la convicción de que mi tiempo no se ha terminado y de que aún puedo lograr mucho.

 

El resto de la historia de esta sinfonía es bien conocido, y ha sido contado muchas veces. La Patética fue estrenada el 28 de octubre de 1893 en San Petersburgo bajo la dirección de Chaikovski y tuvo en éxito menor, basado más en el prestigio del compositor que en la reacción del público ante la obra. La fría recepción de la sinfonía quizá tuvo que ver con cierta hostilidad colectiva de los miembros de la orquesta. Apenas una semana después del estreno, el 6 de noviembre, Chaikovski murió del cólera, provocado según se dijo entonces por la imprudencia de beber un vaso de agua sin hervir. Más tarde, sin embargo, se conoció la verdad. El compositor fue obligado a cometer un “suicidio de honor” para evitar el escándalo mayúsculo que pudo haber provocado el conocimiento público de su homosexualidad.

Al paso del tiempo, la Patética de Chaikovski habría de convertirse en una de las sinfonías más populares de todo el repertorio, aunque hasta la fecha es desconcertante para quienes la escuchan por primera vez. Si la costumbre de los sinfonistas románticos era la de terminar sus sinfonías con la brillante coda de un movimiento rápido, Chaikovski siguió el instinto descrito en la carta a su sobrino, y terminó la Patética con un plañidero movimiento lento, asunto que hasta la fecha causa grandes confusiones en las salas de conciertos, sobre todo entre quienes creen que el brillante final del tercer movimiento marca la conclusión de la obra. Por otra parte, Chaikovski escribió el segundo movimiento de la Patética en el poco usual compás de 5/4, cosa que le costó a la sinfonía muchas críticas en su tiempo, en especial por parte del áspero crítico vienés Eduard Hanslick. Lo que no deja de ser muy interesante es el hecho de que algunas críticas contra la Patética escritas en el siglo XIX hoy nos parecen, al menos parcialmente, como una simple descripción bastante cercana a las intenciones originales de Chaikovski. Por ejemplo, el señor W.F. Apthorp escribió en un periódico de Boston, en 1898, lo siguiente:

 

La Sinfonía Patética se sumerge en todas las horrendas cloacas y zanjas de la desesperación humana. El segundo movimiento, con su estrábico ritmo, es igualmente innoble que el primero…

 

Hoy, ya es un simple hecho histórico el mencionar que, en efecto, Chaikovski vivió épocas de profunda depresión, que están claramente expresadas en varias de sus obras. Y en particular, lo patético de esta sinfonía se antoja más claro por el simple hecho de haber sido tan inmediata la muerte del compositor. Lo curioso de la diversa apreciación subjetiva de esta música ciertamente conmovedora está en que mientras algunos musicólogos (la mayoría) han detectado en la Patética el llanto por sí mismo, otros (los menos) afirman que Chaikovski lloraba por las injusticias políticas y sociales dela Rusia zarista. Hoy, cada uno elige su posición al escuchar la obra, como debe ser.

Por cierto, el sobrenombre de Patética le fue sugerido a Chaikovski por su hermano Modesto, quien antes de dar en el clavo había ofrecido el título de Trágica (comola Cuarta sinfonía de Schubert) que Chaikovski rechazó categóricamente.

 

DATOS:

 

Concierto de la Orquesta Sinfónica de la UANL

Tercera Temporada de Conciertos 2012

Programa VI.

Jesús Medina, director artístico.

Valeria Vetruccio, piano

Obras: Obertura “Guillermo Tell”, de Rossini; Concierto para piano no. 21, de Mozart; y Sinfonía no. 6, de Tchaikovsky. 

Jueves 29 de noviembre del 2012

Hora: 19:30 horas

Lugar: Teatro Universitario 

Costo: Planta baja: $ 160/Planta alta: $ 140

Descuentos para INAPAM y estudiantes: $100 (sólo planta alta)

Boletos: http://boleticket.com/ y en las taquillas del Teatro Universitario (una hora antes de la función)

Dirección: Praga y Trieste s/n. Colonia Residencial Las Torres. Campus Mederos UANL.

Monterrey, Nuevo León.

Informes: 11000 330

 

 

 

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Localidades:

$160 planta baja – $140 planta alta

Venta de boletos:

Boleticket y taquilla del Teatro Universitario [hora y media antes de la función]

Descuentos para estudiantes, maestros e INAPAM: $100

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Informes: 8349 7621 y 22 / info@osuanl.com / www.osuanl.com / facebook

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Comentarios previos al concierto

Jueves, 19:00 horas | Vestíbulo del Teatro Universitario | Por: Ricardo Marcos, crítico musical

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‘Nuestra Orquesta’ en radio

Miércoles, 16:30 a 18:00 horas | Opus 102 FM y Radio UANL 89.7

Lunes, 19:00 h | Opus 102 FM / Transmisión del concierto semanal

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OSUANL en vivo por televisión

Jueves, 19:30 horas | Canal 53 TV UANL

 

 

 

Eventos, Teatro Universitario UANL

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